XVI Edizione 2026 — Preferiremmo andare fuori strada

Aprire uno spazio non coincide sempre con il renderlo accessibile, così come chiuderlo non implica un’esclusione. Gli interventi urbani ricordano i remake dei grandi film, celebrano potenziali utopici ma ne svelano le contraddizioni.

Preferiremmo andare fuori strada è il titolo della XVI edizione del festival che, dopo due anni, torna nel quartiere Lodi Corvetto di Milano, post Olimpiadi.

La precedente edizione assumeva la casa come dispositivo critico per riflettere sulle dinamiche di appartenenza ed esclusione. Preferiremmo andare fuori strada prende atto di un’esperienza sempre più precaria e spesso fuori posto dei corpi nello spazio urbano, come effetto di processi economici, politici e culturali che ne condizionano l’accesso.

Attraverso pratiche artistiche e momenti di incontro il festival si propone di sospendere temporaneamente le canoniche funzioni assegnate ad alcuni luoghi del quartiere. Indaga il potenziale di incontri inaspettati, di nuove geografie che la condizione urbana può attivare quando sguardi, pratiche e poetiche artistiche, pedagogiche e conviviali convergono.

Negli ultimi quindici anni Video Sound Art ha costruito percorsi educativi ed espositivi in numerosi spazi della città, ciascuno abitato da una propria comunità. Il processo di creazione delle diverse edizioni è sempre stato preceduto dalla costruzione di una relazione tra artisti, operatori e chi vive quotidianamente questi luoghi: un’operazione spesso critica, talvolta faticosa, ma capace di testare la validità dei progetti e anche di metterli in discussione.

Per rendere visibili le molteplici forme dell’abitare la città, con questa XVI edizione del festival il collettivo vuole andare fuori strada, sottraendosi all’idea che esista un unico modo corretto di partecipare. Vorremmo rinunciare, almeno temporaneamente, alla pretesa di chiudere i discorsi, di mettere tutti i punti alla fine delle frasi e prenderci la libertà di andare fuori strada

Per la XVI edizione, Video Sound Art Festival si apre a una dimensione curatoriale collettiva. Un gruppo di artisti, ricercatori e curatori sono chiamati a condividere processi, responsabilità e visioni. Curatela come spazio condiviso, come esercizio di ascolto reciproco.

Edizioni Brigantino e Lucia Pescador
La cucina di Olivia
Installazione complessa

Edizioni Brigantino e Lucia Pescador presentano La cucina di Olivia. L’intervento nasce dal desiderio di creare uno spazio di incontro tra le opere di Pescador e una nuova configurazione espositiva, capace di accogliere il pubblico in una dimensione intima e domestica.
L’installazione sarà allestita accanto alla sede storica di Bonvini 1909, negli spazi dell’ex bar, ancora privi di una destinazione definitiva e si sviluppa attraverso piccoli ambienti senza porte, progettati da Edizioni Brigantino come luoghi di passaggio, sosta e relazione. Le strutture dialogano con le opere di Pescador. Il titolo La cucina di Olivia riprende quello di un’opera dell’artista e suggerisce uno spazio domestico inteso non tanto come ambiente definito, quanto come luogo della memoria e delle relazioni.
Il progetto riprende e rilegge una mostra di Pescador realizzata nel 2014, durata quattro giorni e concepita come un momento di incontro e di partecipazione, prima dei lavori di restauro che hanno interessato la cartoleria. La nuova installazione si propone come una riattivazione di quella esperienza
Una delle strutture ospita un monitor che trasmette A mano libera (2023), documentario di Judith Du Pasquier dedicato a Lucia Pescador, che accompagna il progetto offrendo uno sguardo sulla pratica dell’artista.

Nei primi lavori cinematografici dell’artista la scala viene utilizzata come “dispositivo del potere” e come metafora di un sistema socio-politico inesorabile che esclude ogni via di fuga. All’interno di questa produzione sperimentale, riscoperta e valorizzata anche grazie al progetto “Art & Experimental Film” della Fondazione Home Movies, Eventi rappresenta il culmine e il capitolo più esplicitamente politico del ciclo. Ritornando all’idea dell’evento ripreso infinito già al centro del primo film dell’artista, Silent Invasion, in Eventi sostituisce alle scale anonime dell’opera precedente con la scalinata del Palazzo di Giustizia di Milano. Lungo i suoi gradini, Berardinone fa rimbalzare una sfera nera che evoca una palla al piede, trasferendo la riflessione dallo spazio indeterminato dei lavori precedenti a quello pubblico e monumentale dell’istituzione giudiziaria. Nel pieno del fervore politico dell’Italia degli anni Settanta, l’opera esplicita la natura della scala come palcoscenico e gerarchia del potere statale, istituzionale e sociale, che priva i corpi di un’effettiva libertà di movimento.

Spoken Panorama è un progetto di mappatura discorsiva che si colloca tra la performance e l’installazione. Nel corso del festival, l’artista registrerà gli interventi del programma pubblico, elaborando una mappa semantica per ciascuna discussione. Attraverso un software da lui sviluppato, ogni conversazione viene suddivisa in brevi enunciati e collocata all’interno di uno spazio semantico a 1024 dimensioni. Analizzando gli enunciati lungo queste dimensioni, il programma individua connessioni basate sui significati anziché sulle singole parole e rivela dinamiche conversazionali altrimenti difficili da cogliere. Tali mappe saranno stampate sotto forma di poster ed esposte presso la Fondazione Galleria Milano per tutta la durata del festival.
Nell’ultima giornata, Cem A. rifletterà sulle mappe e sui discorsi emersi durante la manifestazione, affiancato dagli antropologi Rita Duina e Tommaso Santagostino.

In occasione del festival la sala espositiva di Fondazione Milano si trasforma in una  sala cinema che ospita uno screening program e il public program.

CNAP – Centre national des arts plastiques
Tra i film in programma, una selezione di opere provenienti dalla collezione del Centre national des arts plastiques (Cnap) di Parigi, collezione ministeriale francese nata durante la Rivoluzione francese, frutto della ricerca sviluppata dalla curatrice Laura Lamonea nel 2023.

Party on the CAPS si svolge in un mondo trasformato dal progresso biotecnologico e dalla teletrasportazione, divenuta il nuovo mezzo di trasporto. Un coccodrillo di nome Fiona racconta la vita su CAPS, un’isola situata nel mezzo dell’oceano Atlantico, dove rifugiati e immigrati che hanno attraversato mari e frontiere in modo considerato «illegale» vengono detenuti dallo Stato.

L’opera nasce durante una residenza dell’artista a Tetouan (Marocco), l’ex capitale del protettorato spagnolo. L’artista mette in scena se stesso sui tetti della medina di Tétouan. Il carattere temporaneo della medina, insito nella sua configurazione urbana, influenza anche la molteplicità delle forme e delle narrazioni che la strutturano. Colomer propone una riflessione sui limiti e sugli usi di uno spazio regolato da leggi non scritte.

Deleuze Monument documenta il progetto realizzato da Thomas Hirschhorn nel quartiere Cité Champfleury di Avignone, dedicato al pensiero del filosofo Gilles Deleuze. Attraverso la costruzione di un monumento temporaneo e il coinvolgimento diretto degli abitanti, il video riflette sullo spazio pubblico e la partecipazione della comunità. Il monumento diventa un dispositivo relazionale, capace di attivare forme di confronto, condivisione e produzione collettiva di significato.

125 ettari è la superficie dei terreni occupati illegalmente dal 1983 da un collettivo di agricoltori a Morne-Rouge, nel nord della Martinica. Véronique Montjean, membro fondatore del collettivo, racconta la storia dell’occupazione, nata per contrastare lo sviluppo di progetti immobiliari che avrebbero ridotto i terreni coltivabili dell’isola. Il collettivo promuove un’agricoltura di sussistenza basata sulla biodiversità, attraverso la rotazione delle colture locali, opponendosi alla monocoltura di banane imposta dalla Francia, che ha portato all’inquinamento di suoli e fiumi per l’utilizzo di insetticidi cancerogeni.

Le Park si configura come una lenta passeggiata in un parco divertimenti abbandonato nel cuore di Casablanca (Marocco). Il film si concentra sui giovani che frequentano questo luogo. La telecamera di Randa Maroufi coglie di sorpresa gruppi di giovani occupati in azioni differenti i cui movimenti appaiono congelati nel tempo.

L’opera è un documentario sperimentale ambientato ai margini di una riserva naturale a Johannesburg. Il film mostra i preparativi per un tribunale popolare in cui guaritori tradizionali, attivisti e avvocati si riuniscono per discutere di conoscenze indigene e bioprospezione. L’industria farmaceutica è giunta a considerare la medicina tradizionale come una fonte per l’identificazione di nuovi agenti bioattivi che possano essere utilizzati nella preparazione di farmaci sintetici. I protagonisti del film assumono ruoli diversi, mentre i fantasmi di esploratori coloniali, botanici e giudici osservano i dibattiti.

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La trilogia You May Own the Lanterns, but We Have the Light è composta da cortometraggi in bianco e nero realizzati a partire da cartoni animati e animazioni di recupero, ridisegnati, assemblati e rianimati in collaborazione con un team di animatori a Beirut. Le diverse sequenze restituiscono l’immagine di una città immersa nell’oscurità, dove gli abitanti si dedicano a varie forme di evasione. Traendo ispirazione dalla storia dell’illuminazione pubblica, l’opera considera la luce artificiale non solo come un mezzo per illuminare le strade di notte, ma anche come un meccanismo di governo, in cui la visibilità è alla base della sorveglianza, dell’autorità e della messa in scena e del mantenimento dell’ordine sociale nello spazio pubblico.

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Iman, Peter, Johanne, Kala ed Elisa sembrano, a prima vista, avere poco in comune. Attivismo politico, astronomia, tatuaggi, cucina e babysitting sono mondi che raramente si incrociano. Ciò che li unisce è il fatto di vivere tutti a Nørrebro, il quartiere più eterogeneo della Danimarca dal punto di vista sociale ed etnico. Più di dieci anni fa, nel suo cuore è stato realizzato un parco per avvicinare la comunità. Come una piazza di paese in cui converge il mondo intero, Superkilen è diventato rapidamente un punto di riferimento e un vivace centro di vita civica. Nel corso di un’estate, Bêka & Lemoine si sono stabiliti nel parco per osservare dall’interno questo microcosmo globale. Nel film esplorano come il quartiere sia plasmato dalle migrazioni, dalla religione e dalla politica e si interrogano su come un intervento pensato per un contesto specifico, possa favorire la convivenza e permettere alle persone di abitare e ridefinire collettivamente un luogo condiviso.

24 Heures sur Place è un film-performance che si svolge a Place de la République (Parigi), quarant’anni dopo il documentario che Louis Malle dedicò a questa celebre piazza e un solo anno dopo il grande progetto di riqualificazione degli architetti francesi TVK. L’intervento ha trasformato questo noto e animato crocevia in una nuova oasi urbana per gli abitanti della città. In piedi accanto al monumento alla Marianne, Ila Bêka e Louise Lemoine hanno filmato la piazza dall’alba all’alba. Hanno raccolto tutto ciò che può accadere, nell’arco di 24 ore, nello spazio fisico di una piazza pubblica. Il film è come una polaroid in movimento. Tra politica, storie d’amore, questioni di lavoro, preoccupazioni e speranze, prende forma una vertiginosa raccolta di ritratti che restituisce lo stato d’animo della capitale francese. 

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L’Assedio esplora il folle rituale collettivo e trasgressivo che ogni anno attira oltre 200.000 spettatori nei campi circostanti l’Autodromo del Mugello durante il Gran Premio d’Italia di MotoGP. Il film indaga la tensione tra la libertà dell’infrazione delle regole e i limiti imposti dalle alte barriere che delimitano il circuito.

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Girato “dentro e fuori” la Stazione Centrale di Milano, utilizza questa architettura come modello per scoprire che nell’ambiente in cui viviamo quasi sempre non esiste una relazione tra spazio e uso dello stesso. Individuare lo “scollamento” vuol dire esprimere il proprio atteggiamento critico nei confronti di quella architettura che rifiuta di accogliere qualsiasi aspetto “vitale”, riducendosi a “struttura monumentale” che non è in grado di contenere la dinamica dei rapporti umani.

L’opera video è una critica metaforica alla stagnazione progettuale di Milano alla fine degli anni ‘70. La Pietra riprende oggetti ed elementi stradali – dissuasori, paletti e catene – come simbolo di una città che non supera le proprie soglie e non produce progetti urbani significativi. 

“Abitare è essere ovunque a casa propria” è la frase con cui La Pietra avvia un’analisi antologica e provocatoria che decodifica le periferie urbane e gli spazi autogestiti, denunciando l’impossibilità di intervenire nello spazio urbano e quindi descrivendo come riappropriarsi della città attraverso un percorso mentale.

Realizzato in occasione della XV Triennale di Milano, il film è stato girato all’interno della Triennale che, vuota, esprime la carica di tensione e di attesa di ogni artista, e di un’intera generazione, che spera tutta la vita nell’arrivo della “grande occasione”: una grande mostra in un luogo istituzionale.

Il film esprime le difficoltà che l’artista incontra ogni qual volta tenta delle strade al di fuori di un sistema prestabilito. Questo concetto viene rappresentato attraverso la realizzazione e l’uso di uno strumento (Il Commutatore, 1970) con il quale è possibile, per fasi successive, superare la fisicità urbana e proiettarsi verso il “vuoto”.

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Il film nasce da una riflessione sull’eredità della Guerra Fredda sulle comunità della diaspora asiatica in Occidente, mettendo al contempo in discussione il rapporto personale degli artisti con la comunità vietnamita di Berlino, composta da due gruppi di persone arrivate da un Paese diviso in un Paese diviso, e pertanto particolarmente simbolica di questa eredità. Mettendo in scena la loro esperienza come genitori adottivi italiani di una figlia e un figlio nati in Vietnam, gli artisti esplorano l’intersezione tra appartenenza, parentela, storia, memoria e politiche identitarie. Il film documenta una performance nello spazio urbano, viaggiando su una piccola barca, gli artisti e la loro famiglia trascorrono una giornata intima nello spazio pubblico, navigando nel traffico cittadino di Berlino alla ricerca di un luogo immaginario in cui le vite di coloro che sono stati divisi dalla storia potrebbero idealmente incontrarsi. 

In America Centrale l’acqua è spesso contaminata e l’acqua potabile è un bene privato, regolato dalle leggi di mercato come qualsiasi altro bene. Il film è stato progettato e girato durante la residenza di ricerca di Caterina Erica Shanta a Città del Messico nel giugno 2023. Per sottolineare il carattere politico dell’acqua in Messico, l’artista ha pubblicato una open call in cui invitava le persone a raccontare i propri sogni laddove l’acqua compariva come l’elemento principale e ricorrente. Il film è dunque costruito sulle voci narranti delle persone che hanno aderito al progetto raccontando sogni d’acqua, presagi meravigliosi e terrificanti, sullo sfondo delle paludi di Xochimilco, l’ultimo ricordo dell’immenso lago Texoco scomparso dopo gli anni Sessanta.

Tra le Righe, (nasce) è un’installazione video site-specific che si compone di quattro schermi disposti in sequenza, uno accanto all’altro, collocati al centro di due parentesi. Il video presenta tre differenti contesti, messi in relazione tra loro da stivali di gomma nera, materiale con cui l’artista lavora da diversi anni. Nell’oscurità ogni cosa sembra galleggiare. Attraverso giochi di riflessi, gli stivali affiorano sullo schermo o vengono indossati da corpi che nuotano, alternandosi a primi piani di una superficie in gomma che sembra custodire o generare una nuova forma di vita. Il lavoro nasce dall’esperienza della piscina, tradizionalmente scandita da corsie, linee che rimandano tanto alla scrittura e alla leggibilità quanto al movimento e alla direzione dei corpi che le attraversano. L’artista costruisce uno spazio intermedio in cui le immagini evocano l’origine, la cura, la crescita e ciò che ancora non è presente, creando una tensione tra ciò che prende forma tra le righe – l’immaginato e il possibile – e il corpo fisico.

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Surplace Radio è una performance che assume la forma di una trasmissione radiofonica. Da una postazione temporanea, Michele Di Stefano veste i panni del conduttore e presenta un palinsesto di novità discografiche e immaginari etnomusicali, costruito a partire da L’altro Hotel, progetto discografico prodotto da Xing per Xong collection- artist records. L’opera nasce da una vasta raccolta di memo vocali registrate dall’artista in giro per il mondo, come un catalogo di suoni localizzati, momenti precisi dell’esperienza personale. L’elaborazione del disco è consistita nella trasformazione di queste registrazioni in brani ispirati da fantomatiche teorie sull’ascolto non selettivo (‘placed music’ o ‘accanto theory’) e presentati sotto forma di un programma radiofonico ormai alla sua cinquantaquattresima puntata. Michele Di Stefano, il conduttore, li contestualizza secondo i canoni del giornalismo musicale, evocando forme di ascolto non selettivo, in cui il suono si manifesta accanto a chi ascolta, senza necessariamente catturarne l’attenzione. Ne emerge una geografia sonora in cui luoghi distanti, paesaggi e situazioni quotidiane si sovrappongono, mentre realtà e finzione si confondono.